The Unity – The Unity (2017):

Por Davi Pascale

Esse projeto do Henjo Richter e do Michael Ehré (guitarrista e baterista do Gamma Ray, respectivamente) foi uma grata surpresa para mim. É comum os caras criarem trabalhos solo ou bandas paralelas para gravarem alguns sons que não conseguiram emplacar em sua banda principal e seguirem a risca a sonoridade do grupo que lhes rendeu fama. Esse não é o caso aqui. O The Unity soa bem diferente do Gamma Ray e, embora não traga nada de revolucionário, demonstra poder de fogo.

Se o projeto irá sobreviver ou se será restrito à um único álbum (como foi o Supared do Michael Kiske) só o tempo dirá. A verdade é que, embora não seja inovador, o material tem muita qualidade e sua audição é empolgante.

Do mesmo jeito que o Megadeth tem uma relação com o Metallica (Dave Mustaine fez parte da primeira formação dos ícones da bay area), o Gamma Ray tem com o Helloween. E é possível pegar algumas referências do antigo grupo de Kai Hansen. Seja nos versos e aplicação de teclado de “Always Just For You” ou até mesmo no refrão de “Firesign”. A verdade é que em alguns momentos é simplesmente impossível não nos remetermos à trupe de Michael Weikath.

Mas nem só de Helloween vive o disco. A faixa de abertura remete diretamente aos anos de ouro do problemático e talentoso Yngwie Malmsteen. Gianbattista Manenti, o italiano responsável pelas cordas vocais, se demonstra um diferencial dentro da banda. Contando com uma voz forte e potente, usa o drive com uma boa moderação e abusa menos dos falsetes do que os demais vocalistas do gênero. Ainda não ouvi o cara ao vivo, mas o trabalho vocal do disco é excelente.

Outro grande destaque do álbum são os riffs de guitarra. O mais diferente de todos foi o de “Redeemer” que traz uma pegada meia bluesy, remetendo aos riffs que Ritchie Blackmore costuma escrever. Lembra um pouco o riff de “Man On The Silver Mountain” (Rainbow). Aliás, o refrão pomposo e cadenciado remete bastante ao Rainbow fase Dio.

Essa é praticamente a pegada do disco. Uma mescla de power metal, metal tradicional e hard rock setentista (o refrão de “The Wishing Well”, por exemplo, traz fortes referências de Whitesnake). Realmente, eles não foram os primeiros a fazer isso (acredito que Masterplan e Edguy sejam bons exemplos dessa mistura) e não serão os últimos, mas como disse, o resultado final é muito acima da média. A qualidade de gravação é excelente, as músicas são empolgantes. Não há dúvidas de que se trata de um bom começo.

O álbum se encerra com “Never Forget”. Música bem bacana que conta com um animado refrão que poderia facilmente ter sido escrito por Tobias Sammet (Edguy, Avantasia). Uma boa musica para deixar o publico cantar um pouco nas apresentações.

O trabalho de estreia dos rapazes já foi lançado aqui em nosso país. Portanto, é fácil de ser encontrado. Só não vai se empolgar com o nome dos dois no anuncio e esperar algo na linha do Gamma Ray. Como deixei claro, embora a influencia do power metal siga intacta, sua sonoridade é mais cadenciada e mais melódica. De todo modo, é um trabalho muito bem feito que merece atenção.

Faixas:

      01)   Rise and Fall

      02)   No More Lies

      03)   God of Temptation

      04)   Firesign

      05)   Always Just You

      06)   Close To Crazy

      07)   The Wishing Well

      08)   Edens Fall

      09)   Redeemer

      10)   Super Distortion

      11)   Killer Instinct 

      12)   Never Forget

Solid Rock – Allianz Parque (13/12/2017):

Por Davi Pascale

Para quem já frequenta shows há algum tempo (meu caso), a situação já era previsível. Ingressos caros, show em plena quarta-feira, atrações que não possuem um enorme público e uma atração principal que toca com frequência em nosso país. A cena já era vista à distância. A empresa tentou de tudo. Ingressos na Black Friday, promoção pague 1, leve 2, mesmo assim, a arena não lotou.

Temos ainda mais um grande problema. O publico se acostumou a espetáculos estilo greatest hits. Quando surge um artista que não possui inúmeros sucessos radiofônicos, eles se sentem ofendidos com sua escalação. Independente da qualidade da banda. O que vi de nego xingando a produção do evento porque eles não conheciam nada das atrações escolhidas, não está escrito no gibi. E olha que para quem acompanha rock n roll há algum tempo, esses nomes são manjados. Especialmente, o Cheap Trick. Sem contar que hoje é fácil ouvir material das bandas sem pagar nada, utilizando-se de algo chamado streaming.

A cena ficou visível na primeira atração da noite, os americanos do Tesla. Com uma carreira de mais de 30 anos nas costas, o grupo californiano, teve que fazer sua primeira apresentação em São Paulo para um público menor do que ao de um artista de churrascaria. Aliás, a produção colocou os garotos no palco meia hora antes do horário anunciado. (?!?!?!) Mesmo assim, os músicos não se abalaram e fizeram uma apresentação com bastante energia. Jeff Keith corria no palco de um canto para outro, mantinha a aura de rock star cheio de caras e bocas. Mesmo estando com 59 anos, demonstrou estar com a voz em forma.

A formação que veio para cá está junta desde 2006 e não muda muito da original. Apenas Dave Rude entrou no lugar de Tommy Skeoch. O resto da galera é a mesma que víamos nos clipes nos anos 80 e 90. Ou seja, Brian Wheat, Troy Lucketta, Frank Hannon e o já citado Jeff Keith. Como o tempo era curto (perto de 50 minutos), os garotos fizeram o set em cima de seus álbuns antigos. O setlist foi recheado de clássicos como “Edison´s Medicine”, “The Way It Is”, “Hang Tough”, “Modern Day Cowboy” e “Heaven´s Trail (No Way Out)”. O publico parecia não conhecer o material. Nem mesmo a balada “Signs”, mas para quem conhece e gosta da banda, a apresentação foi mágica. Nostálgica e extremamente profissional.

A segunda atração da noite foi o Cheap Trick. Também estreando em palcos brasileiros, os rapazes mantiveram a energia intacta, ao menos no palco, com uma apresentação bem rock n roll. Robin Zander e Rick Nielsen vieram com seus trajes característicos e demonstraram um enorme carisma. O som estava alto, mas não tão bem definido quanto ao do Tesla. Da onde eu estava, tinha uma enorme dificuldade de ouvir o baixo, por exemplo.

Ao contrário da primeira atração, não ficaram apenas nos clássicos dos anos 70. Misturaram novas e velhas canções. Tática bacana, mas que em um festival como esse, é algo arriscado. A animação da plateia oscilava. Embora os músicos fizessem de tudo para tentar manter a animação dos presentes. Suas canções mais marcantes como “In The Streets” (um cover do Big Star que ganhou enorme projeção ao ser utilizado como canção de abertura da série That 70´s Show), “Surrender” e “I Want You To Rock Me” tiveram uma boa receptividade do público, assim como a versão mais pesada de “Ain´t That a Shame” (clássico de Fats Domino que já foi regravada por meio mundo, inclusive pelo próprio Cheap Trick em seu cultuado LP Cheap Trick At Budokan), já clássicos como “Dream Police” não tiveram a reação esperada. Apresentando um show com pouco mais de 70 minutos, os músicos entregaram uma apresentação divertidíssima e redondíssima. Aliás, vale destacar a performance de Robin Zander. O cara ainda canta muuuito. Mais uma vez, os fãs que compareceram saíram maravilhados.

Às 22h subia ao palco a atração principal da noite. Os veteranos do Deep Purple. Há quem diga que essa é sua última turnê. A verdade é que nunca dá para saber. Eu me recordo de ter visto David Coverdale se despedindo dos palcos em 1997. E vejam só... Se bem que os músicos do Purple já estão em uma idade avançada. Então, já é um pouco mais provável. Afinal, o pique vai diminuindo. Natural da idade.

O show começou com o clássico “Highway Star”. Já ficou claro o que estava por vir. Som impecável. Banda afiadíssima. Plateia, finalmente, animada. E o lendário Ian Gillan fazendo de tudo para manter o nível do espetáculo. A parte cantada, ele ainda vai bem, mas nos falsetes já demonstra uma enorme dificuldade.

A banda foi sábia ao montar o repertório. Contando com bastante improviso e músicas que não exigem tanto da voz, o grupo manteve o alto nível durante todo o espetáculo. Clássicos como “Strange Kind Of Woman”, “Pictures of Home”, “Lazy” e “Space Truckin” levantaram os presentes, mas a galera pegou fogo mesmo durante a execução dos mega clássicos “Perfect Strangers” e “Smoke On The Water”. De Infinite, apenas “Birds of Prey” deu as caras.

Steve Morse, Don Airey, Roger Glover e Ian Paice foram praticamente perfeitos. Apenas “Knocking At Your Back Door” que achei o tempo um pouco lento demais. Gillan segurou bem a peteca. Sejamos sensatos que não é fácil fazer um show desse porte com 72 anos de idade. Se essa for sua ultima turnê mesmo, saem por cima. Resumo da noite: 3 baita shows, mas com uma plateia decepcionante.

Cachorro Grande – Costa do Marfim Deluxe Edition:

Por Davi Pascale

Deluxe edition no Brasil não é algo muito comum. Ainda mais em lançamento de LP´s. Na gringa, sim. Existem edições caprichadíssimas. Dignas de fazer com que o cara mais marrento babe por meses a fio. A nova edição do Their Satanic Majesties Request do Rolling Stones (que comentarei em breve por aqui) é uma delas. Portanto, a ideia é digna de aplausos por si só. Temos que aprender a valorizar nossa arte.

Quem também é digno de aplausos é a turma do Cachorro Grande. Além de estarem ajudando a salvar o rock n roll brasileiro entregando um som afudê, os meninos não estão deitados em berço esplêndido. Enquanto muito artista se acomoda em uma fórmula, os caras ousaram diversas vezes em sua trajetória. Sua maior ousadia foi justamente esse disco.

Conhecidos por entregarem um som rock n roll de garagem bebendo na fonte dos anos 60 (especialmente grupos como TheBeatles, The Rolling Stones, The Kinks e The Who), os gaúchos foram além em seu sétimo álbum. Costa do Marfim trazia os músicos mesclando seu som com elementos eletrônicos e apostando em uma grande dose de psicodelia. Uma espécie de Screamadelica brasileiro. Minhas músicas favoritas desse play são “Eu Não Vou Mudar”, “Como Era Bom” e “Eu Quis Jogar”.

Mais do que uma edição comemorativa, essa é uma edição especial para colecionadores. Amantes dos vinis, os músicos tiveram todo o cuidado no preparo desse material. O vinil vem com capa gatefold (a famosa capa dupla), foram prensados em mídia verde 160 gramas e gravados em 45 RPM para garantir uma maior fidelidade do som. O vinil também não foi prensado no Brasil, foi prensado na República Tcheca. Material de primeira.

Como a ideia era pegar colecionadores e os fãs mais doentes, o material foi prensado em apenas 105 cópias numeradas. Por que 105 cópias e não 100? Não sei, mas arrisco dizer que os músicos brincaram de Beatles e pegaram as 5 primeiras cópias desse material para eles (para quem não entendeu a brincadeira. O White Album dos Beatles vinha com numeração na capa e as primeiras copias ficaram com John, Paul, George e Ringo).

O Box é bacaninha. Um papelão grosso com um uma cordinha. O material gráfico também é bem legal. Foram criados, unicamente para essa edição, um pôster com uma foto do show no Sesc Pompeia (São Paulo) e 7 fotos com imagens da apresentação no Bar Opinião (Porto Alegre). As fotos são realmente muito bonitas.

O único senão é que essa reedição não conta com nenhuma música adicional. É exatamente o mesmo material do CD. Nenhuma versão ao vivo, nenhuma demo, nada do tipo. Apenas as faixas do disco. Contudo, para quem é muito fã dos rapazes, vale o investimento. Afinal, a produção é lindíssima e com o tempo esse material deve se tornar raro e possivelmente valioso. Se hoje ele custa R$290,00, após esgotado é capaz que passe a valer mais de R$500,00 brincando.

A ideia dos músicos era lançar esse material no final de 2014, como um presente de Natal. Contudo, o material ficou retido na alfândega e somente agora conseguiram liberar o material. Bom... dá tempo de presentearem o Natal de 2017. Puta presente.

Faixas:

Lado A:

      01)   Costa do Marfim

      02)   Nós Vamos Fazer Você Se Ligar

Lado B:

      03)   Nuvens de Fumaça

      04)   Eu Não vou Mudar

      05)   Crispian Mills

Lado C:

      06)   Use o Assento Para Flutuar

      07)   Como Era Bom

      08)   Eu Quis Jogar

Lado D:

      09)   Torpor Partes 2 & 5

      10)   O Que Vai Ser     

      11)   Fizinhur

David Bowie – The Man Who Changed The World (2016):

Por Davi Pascale

Finalmente parei para assistir o documentário sobre o camaleão do rock. E, infelizmente, tenho que constatar: esperava muito mais. Sem músicas, poucos entrevistados, poucos depoimentos realmente interessantes. Para os velhos fãs de Bowie, um verdadeiro banho de água fria.

O filme não é muito longo. Pouco mais de 90 minutos. Então, não cansa assisti-lo, mas peca em diversos momentos. O áudio não é muito bem editado. O volume da narração está muito mais baixo do que o volume das entrevistas. Do jeito que o cantor era perfeccionista, se assistisse algo desse tipo, teria uma parada cardíaca nos primeiros 10 minutos.

O roteiro também não ajuda muito. E a desculpa de ser curto, não cola. O RockHistória da MTV durava pouco mais de 20 minutos e teve episódios onde aprendi muito mais sobre os artistas do que essa película aqui. Bowie é um artista que tem muita historia para se contar. Poderia se comentar sobre o fato dele sempre estar antenado com o novo universo musical, poderia se explicar com riqueza a criação do Spiders From Mars, falar sobre como ele ajudou a revolucionar o mercado de videoclipes, a influencia que sua obra teve em cima de artistas e movimentos musicais...

O que temos aqui é aquele típico documentário unauthorized sem musicas do artista, inúmeras fofocas e bastante comentário sobre seus dias pré-fama. Ok, aqui temos alguns momentos interessantes como sua admiração por Anthony Newley, suas aventuras na folk music e seus anos de David Jones.

O grande pecado é que o filme tenta vender a ideia do artista que revolucionou o mundo (daí o titulo brincando com o nome do clássico “The Man Who Sold The World”), o que não é nenhuma mentira, mas não explica como isso aconteceu. A parte musical é muito mal contada. Não me recordo nem de terem citado o nome de Brian Eno por aqui. Quando vão citar a trilogia de Berlim, comentam por cima sobre o Iggy Pop, mas não comentam sobre a influencia de krautrock, de Kraftwerk, etc. Se você que conhecer mais curiosidades sobre a música de Bowie, esquece.

O filme foca muito na questão visual. No lance de usar roupas e utensílios não usual para os padrões da época, o que realmente ocorreu, sobre o fato de acreditar em vida extra-terrestres e jurar, por mais de uma vez, ter visto discos voadores. Uma fofoca interessante foi o depoimento de seu amigo de escola que lhe deu um murro no rosto dilatando sua pupila para sempre. Ele explica que foi por uma garota, mas até isso está mal explicado. Quem era essa garota? Onde a briga aconteceu? Algum deles chegou, de fato, a namorar a garota?

O que deixa o longa um pouco mais interessante são os depoimentos do próprio David Bowie, extraído de arquivos, que conseguia responder com simpatia e inteligência perguntas nem sempre inteligentes. Há momentos interessantes quando ele diz que a música é o mais importante de tudo (escolha de depoimento um tanto estranha para um documentário com esse viés), o fato de que ele nunca quis ter um ‘som Bowie’ e o fato dele não gostar de alguns de seus discos mais famosos.

The Man Who Changed The World serve para passar o tempo, serve como uma distração, mas se você pretende compreender melhor suas transformações, descobrir como ele criou tal musica ou criou tal personagem, entender sua relação com músicos/produtores, sua visão de empreendedor, não será aqui que você terá essas respostas. Por sua conta e risco.

Melissa Etheridge – A Little Bit Of Me: Live In L.A. (2015):

Por Davi Pascale

Aula de rock n´ roll e profissionalismo. É exatamente isso o que temos aqui. Pode ser que alguns de nossos leitores nunca tenham ouvido falar de Melissa Etheridge. Realmente, aqui no Brasil, ela não é tão popular. Especialmente, entre a juventude. Nos Estados Unidos, contudo, ela é bem respeitada. A cantora, que já ganhou 2 grammys,  é conhecida por sua voz potente, suas letras confessionais e por seu lado ativista. Homossexual assumida, a artista luta pela causa LGBT desde 1993.

Contudo, é bom deixar claro. Ela não é aquela artista que gosta de chocar. Muito pelo contrário. No palco, rouba toda a atenção por sua musicalidade. Seja arriscando algumas notas no teclado em “Monster”, seja na sua voz rouca e potente, ou ainda na sua performance nas guitarras e violões. Utilizando-se quase sempre de instrumentos de doze cordas, chega a arriscar diversos solos durante o show. Não há espaço para beijo gay, discurso político, nem nada do tipo. A música fala por si.

A apresentação escolhida foi registrada no luxuoso Orpheum Theater (Los Angeles) em 12 de Dezembro de 2014, durante a divulgação de This Is M.E. Álbum que lançou de maneira totalmente independente e que trazia uma sonoridade mais pop, mais moderna. Nos shows, contudo, a pegada era a mesma de sempre. Arranjos roqueiros passando pelo folk e pelo blues.

Os músicos são de primeira, com destaque para o excelente baixista Jerry Wonda. Extremamente seguro, o rapaz demonstra um feeling fora do comum. Melissa é um caso à parte. Na estrada há mais de 30 anos, sua voz não dá sinal de cansaço. Continua jogando a voz para cima durante todo o concerto, coloca uma emoção inacreditável em sua interpretação, além de ser uma boa instrumentista, conforme já citado. Parte desse conhecimento, certamente, veio da estrada. Na fase pré-fama, a moça fazia apresentações de voz/violão por 4 horas seguidas. Parte, veio por sua formação musical. Melissa não é curiosa. Ela é formada na Berklee College of Music. Ou seja, sabe exatamente o que está fazendo ali.

O repertório pode parecer curto em um primeiro momento, mas na verdade, não é. Embora sejam apenas 13 canções, várias músicas, especialmente na segunda metade, ganharam arranjos estendidos e improvisos. No show de quase 2 horas, foi apresentado 4 canções de seu, até então, mais novo álbum (“I Won´t Be Alone Tonight”, “Take My Number”, “A Little Bit Of Me” e “Monster”) e 9 músicas das antigas. Clássicos como “I Want To Come Over”, “Come To My Window”, “Bring Me Some Water”, “Like The Way I Do” e “I´m The Only One” não foram esquecidos.

Sua energia no palco segue intacta. A moça nunca se deixou abalar, para dizer a verdade. Nem mesmo quando enfrentou um câncer de mama em 2004. Aqui no Brasil ficou muito popular um vídeo dela cantando “Piece Of My Heart” (Janis Joplin) junto com a Joss Stone na edição do Grammy de 2005. Embora seja conhecida por sempre estar com cabelos compridos, Melissa aparecia ali totalmente careca. A razão era essa. Naquela época, estava enfrentando uma quimioterapia. Aqui, comemora o fato de estar livre do câncer há 10 anos. Melissa aparece alegre, falante e cheia de energia. Quem não conhece sua história, nem imagina os perrengues que já passou...

A Little Bit Of Me é extremamente bem gravado e apresenta um repertório certeiro. Quem já conhece e curte seu trabalho, ficará maravilhado com o vídeo. Quem não conhece sua obra e resolver se arriscar é bem provável que acabe se tornando fã. Show de altíssimo nível.

Nota: 9,0 / 10,0

Faixas:

      01)   I Won´t Be Alone Tonight

      02)   I Want To Come Over

      03)   Chrome Plated Heart

      04)   Take My Number

      05)   Come To My Window

      06)   Ruins

      07)   A Little Bit Of Me

      08)   If I Wanted To

      09)   Meet Me In The Black

      10)   Bring Me Some Water

      11)   I´m The Only One

      12)   Like The Way I Do

      13)   Monster

      14)   Entrevistas

      15)   Backstage Pass

Motorhead – Under Cover (2017):

Por Davi Pascale

Under Cover é um album póstumo do Motorhead criado com a intenção de cobrir um buraco em sua discografia. Os músicos chegaram a comentar entre eles, diversas vezes, sobre a vontade de fazer um trabalho de covers, mas infelizmente, não deu tempo. Para realizarem um sonho antigo e, ao mesmo tempo, homenagear seu velho colega, o lendário Lemmy Kilmister, resolveram criar essa coletânea.

Embora traga gravações de diferentes fases, o álbum não soa como uma colcha de retalhos. A razão disso é apenas uma. Os rapazes nunca modificaram muito sua sonoridade no decorrer dos anos. A banda sempre se manteve fiel ao seu princípio. Portanto, salvo “Rockway Beach” (que saiu de uma demo), o restante do material mantém, não apenas a qualidade de gravação, quanto a sonoridade dos arranjos.

As musicas presentes aqui foram retiradas, em sua maioria, de discos e singles. E do mesmo jeito que não gostavam de inventar moda nas suas músicas, o trio obedecia a mesma logica na hora de prestar suas homenagens. Ou seja, não recriavam música nenhuma. Eles aprendiam a musica e tocavam como se fosse uma musica do Motorhead. Com a mesma pegada, a mesma porrada. Trabalho extremamente rock n´roll, no sentido literal da expressão.

“Shoot Em´ Down” e “Starstruck” foram retiradas de álbuns tributos que os rapazes participaram. O velho clássico do Rainbow contou com a ajuda vocal de Biff Byford, o lendário vocal do Saxon, por conta dos problemas de saúde que Lemmy já enfrentava na época. A parceria funcionou incrivelmente bem. Gravação extremamente mágica.

Lemmy sempre teve um estilo muito próprio de cantar, portanto, algumas escolhas podem parecer meio ousadas a principio. Entretanto, tudo conspirava ao seu favor, já que eles não ficavam preocupados em reproduzir a voz original. Os caras entravam no estúdio, sentavam o pau e acabou. Simples, direto, como uma boa banda de rock n roll deve ser.

“Hellraiser” foi uma canção que Lemmy escreveu para seu velho amigo Ozzy Osbourne. Difícil escolher qual versão é a mais forte. Se a de March or Die ou se a de No More Tears. “Cat Scratch Fever” (Ted Nugent) também soa magica na versão da banda.

As escolhas mais inusitadas, em se tratando de Motorhead, certamente são as duas gravações que fizeram do Rolling Stones – “Sympathy For The Devil” e “Jumpin´ Jack Flash” – e a grande surpresa desse CD, o cover de “Heroes” do camaleão David Bowie. A música é uma sobra de Bad Magic, ultimo álbum de inéditas do Motorhead. Foi uma das ultimas musicas gravadas pelo Lemmy. E embora possam parecer dois artistas extremamente distantes – e são – o resultado final ficou bem interessante.

Under Cover faz justiça ao legado da banda. Trata-se de um trabalho bem rock n roll, para cima, que soa despretensioso e empolgante. Uma ótima banda resgatando clássicos do rock n roll. Ideia bem sacada e trabalho extremamente divertido que nos coloca um sorriso no rosto ao ouvirmos, mais uma vez, o inconfundível timbre do Lemmy. Play it loud!

Nota: 9,0 / 10,0

Faixas:

      01)  Breaking The Law (Judas Priest)

      02)  God Save The Queen (Sex Pistols)

      03)  Heroes (David Bowie)

      04)  Starstruck (Rainbow)

      05)  Cat Scratch Fever (Ted Nugent)

      06)  Jumpin´ Jack Flash (The Rolling Stones)

      07)  Sympathy For The Devil (The Rolling Stones)

      08)  Hellraiser (Ozzy Osbourne)

      09)  Rockaway Beach (Ramones)

      10)  Shoot ´Em Down (Twisted Sister)

      11)  Whiplash (Metallica)

Michael Jackson – Scream (2017):

Por Davi Pascale

Recentemente chegou ao mercado uma nova coletânea do Rei do Pop, Michael Jackson. A ideia da gravadora era brincar com o dia das bruxas, o famoso Halloween, e entregar uma compilação com músicas do astro onde este brinca com assuntos sobrenaturais, de fantasia, etc. A jogada é interessante porque o repertório foge do óbvio.

Sim, tem a ver. Michael Jackson foi um dos responsáveis por mudar a ótica do vídeo-clipe. De demonstrar que esses vídeos promocionais poderiam ser tratados como um mini-filme. Ele fez isso diversas vezes em sua trajetória e brincou com esse universo sobrenatural algumas vezes, como o “Ghosts” e, é claro, o lendário “Thriller”.

Michael era um bom compositor. Portanto, mesmo tendo vários lados B – como “Torture”, “Leave Me Alone” e “Xscape” – a audição é bem interessante. O tracklist foca em diversas fases do cantor, resgatando músicas dos tempos de Jacksons, inclusive. É possível notar o quão criativo esse cara foi. Você pega uma musica como “This Place Hotel” e outra como “Blood On The Dance Floor” e repara que são sonoridades totalmente distintas. Incrível imaginar que universos tão distantes possam ter saído da mesma mente.

O único senão é que a pessoa que ficou responsável por compilar esse material não teve o trabalho de ler as letras. Fez a seleção levando em consideração, unicamente, o título das faixas. Com isso, várias músicas que não têm a ver com a proposta do disco acabaram entrando na compilação. A exemplo da faixa-título “Scream”, que é uma canção onde Michael respondia as acusações de abuso sexual.  Bola fora total!

Nova coletânea foi lançada para explorar o Halloween

O CD não traz músicas inéditas, mas traz duas curiosidades. Uma é o que eles chamaram de smash-up. Apesar do novo rótulo, na prática, ele nada mais é do que o velho remix. Só que ao invés do cara pegar uma música e criar uma batida por cima, ele criou uma mixagem se utilizando de diferentes músicas do cantor. Não é de hoje que Dj´s misturam diferentes canções em um único título. O resultado final ficou interessante.

O mais bacana, entretanto, é realmente o efeito especial que vem em um insert dentro do encarte. Você baixa um aplicativo em seu celular, o Shazam, foca na imagem que está estampada no papel e você verá aquela imagem em uma tecnologia 3D. O projeto é super bem feito e a imagem é super bonita. Experiência realmente muito bacana.

O resultado final, mesmo com os deslizes, acaba sendo positivo porque Michael era um artista muito acima da média. Para quem viveu seu sucesso acaba sendo emocionante relembrar de faixas como “Dirty Diana” (na hora, me recordei do filme “Moonwalker” que tive a oportunidade de assisti-lo nos cinemas) e até mesmo a já citada “Scream”. É como se passasse um filme em sua cabeça. Para quem não conhece mais do que seus grandes sucessos, é uma boa maneira de descobrir canções diferentes e, quem sabe, se estimular à se aprofundar em sua obra.

Nota: 7,5 / 10,0

Faixas:

      01)   This Place Hotel

      02)   Thriller

      03)   Blood On The Dance Floor

      04)   Somebody´s Watching Me

      05)   Dirty Diana

      06)   Torture

      07)   Leave Me Alone

      08)   Scream

      09)   Dangerous

      10)   Unbreakable

      11)   Xscape

      12)   Threatened

      13)   Ghosts

      14)   Blood On The Dance Floor X Dangerous (The White Panda Mash-Up)

Liam Gallagher – As You Were (2017):

Por Davi Pascale

O sempre problemático Liam Gallagher acaba de soltar seu primeiro álbum solo e garante que se não vender bem, não irá gravar mais. O garoto voltou com seu estilo fanfarrão de sempre. Cara de enfezado, dizendo bobagens na mídia. A que marca o retorno do garoto enxaqueca é uma declaração que deu à revista Magnet dizendo que: “o som da guitarra de Brian May soa como se ele tivesse enfiado ela no traseiro” e ainda que se sente ofendido em ser associado ao Britpop, uma vez que ele fazia rock e não um popzinho alegre estúpido...

É... O Cartman do rock n roll realmente é bom de marketing. Depois dessa entrevista, seu nome voltou a ficar falado como nunca, mas o que esperar de seu novo álbum? Embora goste de se dar um valor maior ao que tem, não dá para negar que o menino é talentoso. Bom cantor, timbre característico, carismático e bom compositor. Sua estreia solo (duvido que ele vá parar, independente de vendas) é bem interessante.

Somente um ponto ficou latejando na minha cabeça. Pro cara dar uma declaração como essa sobre o lendário Brian May (Queen), esperava um disco com bastante guitarra, um pouco de distorção, como acontecia nos primeiros álbuns do Oasis (Definitely Maybe e What´s The Story Morning Glory) e esse é um dos pontos baixos do álbum. Faltou volume nas guitarras. Sinto Liam, mas esse é seu álbum mais pop.

Liam Gallagher chega à seu primeiro álbum solo

“Wall of Sound” inicia com uma gaita e uma guitarra em crescente, mas assim que a música explode, a bateria repleta de efeitos eletrônicos passa a ser o foco principal da canção. Há mais espaço para violões e pianos do que para as guitarras. A exceção talvez seja “I Get By”. O que faz com que a situação não fique feia para o Joselito da Inglaterra é que o repertório é bom.

“Bold” e “For What It´s Worth” são as famosas baladas beatle que o garoto sempre gostou de fazer. Essa última poderia ter sido gravada, inclusive, por sua ex banda. Outro momento que trará uma certa nostalgia aos fãs do Oasis é o refrão de “Greedy Soul”. Mais uma canção pop com direito às velhas palmas.  Os grandes destaques, contudo, ficam por conta de “Come Back To Me” e “You Better Run”, onde apresenta uma letra com diversas referências à Beatles, Stones e Hendrix.

A fórmula é a que vem usando desde sempre. Canções calcadas em boas melodias, refrão bem construído e influência do rock britânico dos anos 60 transpirando nos alto falantes. Não tão experimental quanto o Primal Scream, não tão alegre quanto o Blur, não tão rock n roll quanto o Oasis, mas com uma produção de primeira, As You Were é um trabalho bacana que mostra um bom início de uma nova fase. Vá em frente, Liam. A nova fase promete. Só tome cuidado para não ficar dizendo muita bobagem por aí. Se o senhor continuar assim, te recomendarei para ser comentarista da Multishow. Não diga que não te avisei.

Nota: 8,0 / 10,0

Faixas:

      01)   Wall of Glass

      02)   Bold

      03)   Greedy Soul

      04)   Paper Crown 

      05)   For What It´s Worth

      06)   When I´m In Need

      07)   You Better Run

      08)   I Get By

      09)   Chinatown

      10)   Come Back To Me

      11)   Universal Gleam

      12)   I´ve All I Need

Robert Plant – Carry Fire (2017):

Por Davi Pascale

O lendário Robert Plant volta a atacar, mais uma vez acompanhando da ótima The Sensational Space Shifters. Seu novo álbum é um trabalho calmo, melancólico, repleto de influências folk, de música indiana, que o cantor tanto gosta, e com um flerte com a eletrônica. Ainda não foi dessa vez que o cantor voltou ao rock pesado. Portanto, se você não está acostumado com os trabalhos mais recentes do músico, vá com calma...

Há quem ache que o cantor amadureceu desde Dreamland. Há quem ache que seus discos se tornaram sem sal desde então. Embora goste dos trabalhos que vem lançando, confesso que ainda gosto mais da sonoridade que praticava em álbuns como Now And Zen e Manic Nirvana. Até por conta de seu glorioso passado, ainda fico esperando momentos mais rock n roll que quase nunca chegam. Sinto falta de encontrar alguns sons no pique de “Hurting Kind” ou “Tall Cool One”, por exemplo.

Um ponto a favor é que Plant soube envelhecer enquanto vocalista. Ele não fica esgoelando a voz para tentar atingir tons que dificilmente conseguiria subir em uma apresentação ao vivo. Ao invés disso, mudou seu estilo de cantar, se mantendo em uma região mais baixa. E nos shows, muda os arranjos das velhas canções. Já faz um tempo que ele vem fazendo isso. E a lógica se mantém por aqui. O trabalho vocal, conforme era de se esperar, está excelente.

Não há dúvidas em relação à qualidade do álbum. Trabalho vocal muito bem feito. Mesmo! Produção impecável, músicos de primeiro time. Contudo, esse é um álbum recomendado para aquelas pessoas que adoram trabalhos como Mighty Rearrenger ou Lullaby... And The Ceaseless Roar. Se esses são seus discos preferidos de Plant, vá sem medo. Não é o meu caso...

O início do CD é, sem dúvidas, onde estão os melhores momentos. “The May Queen” remete à sonoridade praticada em No Quarter (brilhante álbum que realizou ao lado de seu velho parceiro Jimmy Page nos anos 90). “Season´s Song” é uma bonita e cativante balada. “New World” é um dos poucos momentos onde a guitarra dá a tônica da canção. O outro momento onde a guitarra ganha um pouco de destaque é a mediana “Bones of Saints”.

Em “Keep It Hid” e “A Way With Worlds”, o cantor adiciona elementos eletrônicos por trás do arranjo. Não sou contra a modernidade e nem tenho problema com esses tipos de experimentações, mas não gostei do resultado final. Entre as duas, a melancólica “A Way With Worlds” é a melhor.

Outro momento digno de nota é sua versão de “Bluebirds Over The Mountain”, uma velha canção do cantor de rockabilly Ersel Hickey. Uma faixa que, embora tenha sido regravada ao longo dos anos por artistas do calibre de Ritchie Valens e Beach Boys, permaneceu na obscuridade. Não é novidade a admiração do músico pelo som dos anos 50. Quem não se lembra dos Honey Drippers? Foi interessante notar como ele desmontou a canção e transformou em algo totalmente diferente.

Em resumo, Carry Fire é um trabalho bonito, com altos e baixos, mas não me causou essa impressão que a mídia vem pintando, de ser uma obra-prima, de ser o álbum do ano, etc. Um bom disco, que nos sacia a vontade de ouvir algo novo de Plant, que nos pinta um sorriso no rosto em alguns momentos, mas que também nos deixa um gostinho de ‘quero mais’...

Nota: 7,0 / 10,0

Faixas:

      01)   The May Queen

      02)   New World 

      03)   Season´s Song

      04)   Dance With You Tonight

      05)   Carving Up The World Again... A Wall Not a Fence

      06)   A Way With Words

      07)   Carry Fire 

      08)   Bones of Saints

      09)   Keep It Hid

      10)   Bluebirds Over The Mountain

      11)   Heaven Sent

Foo Fighters – Concrete And Gold (2017):

Por Davi Pascale

A galera do Foo Fighters acaba de soltar um novo álbum de inéditas. O primeiro desde Sonic Highways (2014). Como era de se esperar, a expectativa é enorme. Pelo menos, de minha parte. Considero esses caras uma das melhores bandas que temos atualmente. Não no quesito técnica (embora considere Taylor Hawkins fera), mas no quesito composição.

Algo que sinto falta nas bandas atuais é ter aquela musica que fique na sua cabeça, que do nada você se pega cantando pelos corredores de sua casa. Bandas como Foo Fighters e Pearl Jam têm isso. Dave Grohl pode não ter a melhor voz do planeta Terra, mas é um belo compositor.

Concrete And Gold é um álbum meio que diferente. No álbum anterior, eles receberam algumas críticas onde diziam que o fato de terem gravado o trabalho em diferentes cidades não havia alterado o som da banda. Isso realmente não me incomoda – tanto que adoro bandas como AC/DC, Motorhead e Ramones que atravessaram décadas apostando na mesma fórmula – mas não dá para afirmar a mesma coisa aqui. Sim, algumas faixas vão remeter trabalhos anteriores, mas essa não é a tônica do álbum.

Disco traz participação discreta de Paul McCartney

A parte inicial do álbum conta com uma pegada de rock opera, com faixas interligadas, arranjos mais trabalhados, transbordando influências de Queen, Zeppelin e Beatles. As faixas com a cara mais tradicional do Foo Fighters estão no meio do disco (“La Dee Da”, “Dirty Water” e “Arrows”) e, para ser honesto, são as que menos me empolgaram. Não por serem mais do mesmo – já disse que não me incomodo com isso – mas por serem menos inspiradas mesmo.

O principal diferencial desse CD são os backings. O trabalho de harmonia vocal remete claramente aos 4 rapazes de Liverpool. Não apenas em uma faixa, mas em várias. “Happy Ever After”, “The Sky Is a Neighbourhood” e “Sunday Rain” são grandes exemplos. Essa última, não por acaso, conta com a presença de Paul McCartney na bateria. Realmente muito bacana, mas teria usado o rapaz no contrabaixo – onde ele é mestre – e deixaria ele cantar alguns versos, ao menos. Quem não ler o encarte, corre o risco de não sacar a participação. Esse é um problema das participações desse disco como um todo. Muito foi comentado da participação de Justin Timberlake em “Make It Right”, mas ele só fez um backing vocal. Poderiam terem explorado um pouco mais os convidados, já que se tratam de nomes tão fortes.

De um modo geral, o disco é muito bacana. Como de se esperar, o álbum traz várias faixas muito legais. Ele não se iguala, muito menos supera, álbuns como Wasting Light (2011) ou There Is Nothing Left To Lose (1999), mas também não decepciona. Cumpre a risca de entregar um rock n roll bem feito, empolgante, repleto momentos contagiantes. Quem é fã, pode ir sem medo.

Nota: 8,0 / 10,0

Faixas:

     01)   T-Shirt  

     02)   Run

     03)   Make It Right

     04)   The Sky Is a Neighbourhood

     05)   La Dee Da

     06)   Dirty Water 

     07)   Arrows

     08)   Happy Ever After (Zero Hour)

     09)   Sunday Rain

     10)   The Line

     11)   Concrete And Gold